Thiết kế khiêu vũ: Tính thẩm mỹ của âm nhạc điện tử từ những năm 1970

Bạn đã có một ngày dài thiết kế và bạn đã sẵn sàng cho một đêm trên thị trấn. Mặc dù vào cuối ngày, bạn có thể chỉ muốn cởi chiếc mũ thiết kế của mình và đổi nó lấy đôi giày khiêu vũ của bạn, nhưng điều quan trọng là phải xem xét tầm quan trọng của thiết kế đối với phong cách âm nhạc này.

Tất cả mọi thứ từ tờ rơi buổi hòa nhạc, thiết kế câu lạc bộ và xây dựng thương hiệu, và bìa album đều bị ảnh hưởng bởi công việc thiết kế, giống như những gì các bạn làm. Nếu không có một số thiết kế quan trọng, âm nhạc điện tử sẽ khác xa so với ngày nay.

Vì vậy, chúng ta hãy đi ngược dòng ký ức và xem một số thiết kế có ảnh hưởng lớn hơn trong suốt lịch sử của nghệ thuật album nhạc điện tử. Bằng cách vẽ biểu đồ các chủ đề và những thay đổi trong thiết kế tác phẩm nghệ thuật của album, người ta cũng có thể xem bản chất thay đổi của cảnh và bản thân âm nhạc.

Sự khởi đầu

Có thể nói, âm nhạc điện tử bắt đầu từ nhiều thập kỷ trước ở Đức, khi một nhóm nhỏ tên là Kraftwerk (tạm dịch là nhà máy điện) bắt đầu sử dụng máy tính làm nhạc cụ chính vào cuối những năm 70. Khi album đầu tiên của họ, Kraftwerk đã leo lên các bảng xếp hạng và album Autobahn đứng đầu các bảng xếp hạng ở Đức, Anh và Mỹ.

Thương hiệu “nhạc máy tính” – như cách gọi của họ – bắt đầu trở nên phổ biến. Các thiết bị điện tử bắt đầu được đưa vào các tác phẩm nghệ thuật album của họ để làm theo.

Kraftwerk – Thế giới máy tính (1981)

Kraftwerk đang tạo ra một tương lai bằng âm nhạc của họ, theo phong cách hậu con người. Điều này chuyển thành các thiết kế album của họ, nơi họ ngày càng thể hiện các thành viên ban nhạc như một phần của máy tính hoặc như chính những cỗ máy. Sự bùng nổ của con người đối với kỹ thuật đã giúp mang lại kỷ nguyên của âm nhạc máy tính và đưa nó đến với đại chúng trên toàn thế giới.

Kraftwerk – Electric Cafe (1986)

Các nhóm khác cùng thời, như Tangerine Dream, cũng là một số nhóm đầu tiên đưa ý tưởng về một chủ đề máy tính hóa vào âm nhạc đại chúng. Tangerine Dream đã ghi lại điều này một cách xuất sắc trong ảnh bìa của họ cho album được đặt tên khéo léo “Thiền điện tử”.

Giấc mơ quýt – Thiền điện tử (1970)

Đi đến Detroit; Đi tới tương lai

Lấy cảm hứng từ Kraftwerk ở Đức và Yellow Magic Orchestra ở Nhật Bản, âm nhạc điện tử đã lan tỏa khắp thế giới, đổ bộ xuống Detroit, thành phố công nghiệp nhất của Mỹ, một thành phố đầy máy móc đã rơi vào tình trạng hỗn loạn kể từ khi ngành công nghiệp ô tô mất đi việc làm.

Môi trường này, được bao quanh bởi cảnh quan hậu công nghiệp và gần như hậu tận thế sẽ trở thành nơi sản sinh ra âm nhạc kỹ thuật hiện đại bởi một nhóm các nhạc sĩ trẻ, những người sau này được gọi là Bộ ba Belleville (được đặt tên theo vùng ngoại ô Detroit từ khi nào Họ đã đến). Juan Atkins, Derrick May và Kevin Saunderson đã bắt đầu từ đây một cuộc hành trình sẽ ảnh hưởng đến lịch sử âm nhạc đại chúng mãi mãi.

Lấy cảm hứng từ môi trường xung quanh họ, cũng như tư tưởng triết học và phổ biến hiện nay giải thích sự thay đổi từ kỷ nguyên công nghiệp sang kỷ nguyên thông tin (bây giờ chúng ta biết họ đã đúng như thế nào), bộ ba bắt đầu tạo ra một bản nhạc để đánh dấu phong cách sống tương lai mà họ đang tưởng tượng.

Có lẽ lấy cảm hứng từ những bộ phim như Blade Runner (1982) và Tron (1982), và những cuốn sách như William Gibson’s Neuromancer (1984), bìa album của thời đại này và xa hơn là trong tương lai của thiết kế album nhạc điện tử, đã bị ảnh hưởng bởi khoa học này. thẩm mỹ hư cấu và được thực hiện với những cấu trúc xã hội đang thay đổi trong tâm trí, đi đôi với sự thay đổi của người nhạc sĩ từ một người đàn ông với cây đàn guitar thành một người đàn ông và chiếc máy tính của anh ta, đôi khi với người đàn ông thậm chí không cần thiết chút nào!

Cybotron – Enter (1983); Model 500 – Classics (1993) ((cả hai đều do Juan Atkins sản xuất)

Ở đây, bạn có thể thấy sự thay đổi mà Juan Atkins của Cybotron đã trải qua với các đồng nghiệp của anh ấy vào khoảng đầu những năm 1980. Trang bìa cho thấy một người đàn ông biến thành một loạt pixel, trở thành máy tính hóa; thích âm nhạc. Mô hình 500, một biệt danh khác của Atkins, cũng cho thấy sự chuyển đổi sang – và hợp nhất – người và máy. Bắt đầu từ đây ở Detroit, những hình ảnh về tương lai và không gian sẽ có chỗ đứng vững chắc trên bìa các album điện tử này trong nhiều năm tới.

Mọi người đều là dancin ‘

Xu hướng âm nhạc nghệ thuật của Bộ ba Belleville nhanh chóng được lan truyền trên toàn thế giới, biến một nhóm nhỏ những người có sở thích với đàn tổng hợp trở thành những huyền thoại và là những người đi trước của toàn bộ nền văn hóa, bối cảnh và phong cách âm nhạc.

Du lịch đến Thành phố New York và Chicago để đến các câu lạc bộ chủ yếu dành cho người đồng tính nam và thiểu số, nhạc điện tử được biến tấu thành nhạc gia đình, nhạc chơi tại các đêm câu lạc bộ thường xuyên. Các bìa album như Jack Your Body của Steve “Silk” Hurley thể hiện niềm hạnh phúc đa màu sắc (một xu hướng đầy màu sắc tiếp tục xuyên suốt trong thiết kế âm nhạc điện tử) chính là hiệu ứng của phong cách âm nhạc mới này đối với các câu lạc bộ thành phố này.

Steve ‘Silk’ Hurley – Jack Your Body (nhạc 1986)

Bạn có thể thấy từ bìa album này nguồn gốc của nhạc house có từ disco, một thể loại đã khá chết vào thời điểm đó. Nhạc House bây giờ là âm nhạc mới của các câu lạc bộ.

Đặc biệt là ở New York, house gắn liền với các dân tộc thiểu số và xã hội, đặc biệt là người da đen và gốc Tây Ban Nha (và đặc biệt là người đồng tính) ở Thành phố New York và Chicago, nơi âm nhạc này đã được trải nghiệm trong vinh quang sau disco. Âm nhạc cũng bị ảnh hưởng nặng nề bởi các hình thức âm nhạc da đen như soul, R&B và funk.

Lịch sử ảnh hưởng từ văn hóa da đen, cũng như văn hóa đồng tính này có thể nhìn thấy trong một số bìa album của các album, bản nhạc và tờ rơi của các buổi tiệc. Vì âm nhạc và khung cảnh câu lạc bộ là cơ hội để những người không được đại diện được trao quyền, bìa album có các ngôi sao thiểu số, mang đến cho cộng đồng những người nổi tiếng mới mà họ có thể xác định danh tính.

Inner City (Kevin Saunderson) – Good Life (single) (1988); Ten City – No House Big Enough (1992)

Vương quốc Anh là tuyệt vời

Âm nhạc và công việc thiết kế liên quan tiếp tục đi khắp thế giới cho đến khi cập bến Anh. Sự hội tụ mới của âm nhạc và bữa tiệc này đã tạo ra một thẩm mỹ hoàn toàn mới cho những gì ngày nay được gọi là văn hóa rave.

Tuy nhiên, văn hóa này sẽ không bao giờ có thể thực hiện được nếu không có các yếu tố thiết kế mà người tham gia có thể gắn bản sắc của họ. Các yếu tố như mặt cười khổng lồ và hình nền vui nhộn đã trở thành đồng nghĩa với thể loại nhạc điện tử điên cuồng đặc biệt được chơi trong các câu lạc bộ ở Anh.

Sankey’s Acid Mill Rave feat. A Guy Called Gerald, Jozef K, vv…; Flier cho bữa tiệc một lần của Happy Hardcore

Những thiết kế này thường không có trên bìa album, vì phần lớn thể loại này được dành cho các bản nhạc thuần túy, các bài hát của các nhà sản xuất vô danh do nhiều DJ chơi trên các sàn câu lạc bộ. Phong cách này không dành cho việc nghe tại nhà, nhưng hình tượng của khung cảnh là một yếu tố giúp nó phát triển mạnh mẽ. Cộng đồng rất tin tưởng vào hòa bình, tình yêu và hạnh phúc, điều này được thể hiện qua những bức ảnh được đưa ra.

Khi phong cách âm nhạc mở rộng và thay đổi, hình ảnh cũng vậy. Các xu hướng khác là một sự rung cảm hippy hơn, trải dài ở mọi nơi, từ âm nhạc thư thái cho đến thứ được gọi là trạng thái ảo giác (psychedelic trance) (mỗi loại có hàm ý riêng).

Một số thứ trở nên điên rồ như thế này:

Astral Projection – Trust in Trance (1996); Man With No Name – Moment of Truth (1996)

Những thiết kế này sử dụng máy tính không chỉ cho âm nhạc của họ mà còn để tạo ra những đồ họa theo phong cách máy tính rõ ràng này, làm sáng tỏ bản chất ảo giác của âm nhạc và cảnh của họ.

Rock nổi tiếng thay đổi nhịp độ

Khi nhạc điện tử ngày càng phổ biến (một số người còn gọi năm 1989 là “Mùa hè thứ hai của tình yêu” ở Anh), một số ban nhạc rock nhất định bắt đầu nổi lên. Các nhóm guitar như Primal Scream và The Prodigy đã tham gia vào phong cách âm nhạc khiêu vũ điện tử đại chúng mới. Các bản cover của họ nhấn mạnh sự thay đổi từ rock truyền thống sang phong cách mới của synths và samplers.

Primal Scream – Screamadelica (1991)

Trang bìa Primal Scream nổi tiếng này chỉ ra chủ nghĩa thực chứng về đôi mắt rộng đầy nắng giống như những khuôn mặt cười của phong trào rave ở Anh mà nó đang bắt chước.

The Prodigy – Music for the Jilted Generation (1994)

Bìa album này của The Prodigy, ám chỉ đến phong cách techno mà họ đang tạo ra, cũng như đáp lại những tin đồn rằng sự trợ giúp của họ trong việc phổ biến nhạc điện tử đã “giết chết ngôi nhà”.

Techno lớn lên

Một trong những khuynh hướng chính của nhạc dance vào những năm 90 là sự tách biệt của nhạc dance electronica thuần túy khỏi cái được gọi là IDM, hay Nhạc khiêu vũ thông minh. IDM được thiết kế để nghe tại nhà hoặc tai nghe, thay vì được tạo ra cho câu lạc bộ để khiêu vũ và tiệc tùng.

Cùng với thể loại chị em của IDM, âm nhạc xung quanh, các bìa album này thường có nội dung trở về với thiên nhiên và “thế giới thực” – trái ngược với máy tính, hình ảnh tương lai hoặc thậm chí là hình ảnh bán kính. Những hình ảnh này giúp làm sáng tỏ mục tiêu tạo ra không gian âm thanh của môi trường xung quanh.

William Basinski – Vòng lặp hòa nhập (2002)

Phổ biến ở châu Âu, âm thanh nhà và kỹ thuật tối thiểu bắt đầu thống trị các loa câu lạc bộ. Bìa album của những tác phẩm này phù hợp với chủ nghĩa tối giản của âm nhạc, tập trung vào sự đơn giản của âm nhạc trong sự đơn giản trong thiết kế của chúng.

Xu hướng này đã dẫn đầu từ cuối những năm 80 / đầu những năm 90, phong cách điện tử có màu sắc sặc sỡ và thiết kế đặc sắc. Robert Hood theo chủ nghĩa tối giản có ảnh hưởng đã được trích dẫn khi nói rằng công nghệ đã trở nên “quá đáng”. Khi kỹ trị lớn lên, hình ảnh của nó cũng vậy.

Tiếng nói từ hồ – Tiếng nói từ hồ (2012)

Ben Klock – One (Ostgut Ton) (2009)

Xây dựng thương hiệu

Rất nhiều điều chúng tôi làm ở đây tại 99designs liên quan đến việc xây dựng thương hiệu. Và thương hiệu là một cái gì đó đã trở nên rất quan trọng đối với âm nhạc điện tử và nền văn hóa và nghệ thuật xung quanh nó. Khi âm nhạc điện tử thuộc mọi thể loại ngày càng phổ biến, các nghệ sĩ như Aphex Twin và Daft Punk bắt đầu xây dựng thương hiệu để tạo sự khác biệt cho âm nhạc và bản sắc của họ với những người khác trong lĩnh vực này.

Thương hiệu này nhằm mục đích phân biệt các nhóm này với xu hướng “Faceless Techno Bollocks” – một chủ đề đề cập đến nhiều bản nhạc nhãn trắng nổi tiếng với sự thiếu vắng các tác phẩm nghệ thuật và các chủ đề thăng hoa. Những nhóm này đã trở thành một trong những nhóm thành công nhất trong kinh doanh.

Aphex Twin – (trái) Ambient Works Chọn lọc 85-92 (phát hành 1992); (giữa) Ống Xylem (1992); (phải) Các tác phẩm môi trường chọn lọc Tập II (1994)

Daft Punk – (trái) Bài tập về nhà (1997); (giữa) Khám phá (2001); (phải) Con người sau tất cả (2005)

Được đẩy lên tầng bình lưu

Khi âm nhạc điện tử tiếp tục là một động lực mạnh mẽ trong âm nhạc đại chúng, những xu hướng này đều đang tiếp tục trên quy mô lớn hơn. Khi doanh số bán album nhạc điện tử tăng, các bản cover của họ ngày càng trở nên phổ biến hơn và ngày càng đụng độ với dòng nhạc pop chính thống.

Các nghệ sĩ như Bassnectar và Skrillex truyền vào các bản cover của họ những hình ảnh từ các nền văn hóa dưới lòng đất, đồng thời khiến nó trở nên ngon miệng đối với công chúng. Càng ngày những mối tương quan này càng được minh họa giữa nhạc điện tử và các thể loại khác, nhấn mạnh mối liên hệ giữa dubstep và chứng ảo giác (Bassnectar) hoặc dubstep và nhạc metal (Skrillex).

Bassnectar – Quang phổ phân kỳ (2011); Skrillex – Bangarang (2012)

Các nghệ sĩ điện tử siêu nổi tiếng ngày nay, như David Guetta đã quay trở lại với thẩm mỹ thời đại nhạc rock khi đưa nghệ sĩ nổi bật trên bìa album. Điều này báo hiệu âm nhạc điện tử đến với nhạc pop, ở dạng thuần túy nhất của nó.

David Guetta – Nothing But the Beat (2011)

Các nghệ sĩ điện tử khác, như nhà sản xuất bước lồng tiếng thử nghiệm James Blake, cũng đã bắt đầu đưa hình ảnh của riêng họ lên bìa album.

James Blake – James Blake (2011)

James Blake thể hiện mình là chủ thể và người tạo ra âm nhạc với một hình ảnh méo mó. Sự biến dạng vang vọng giọng hát âm nhạc của anh ấy, đã được thay đổi thông qua việc mày mò điện tử.

Mặt khác của sự phổ biến của electronica là lĩnh vực pop indie. Các trang web như Pitchfork không chỉ giới thiệu indie rock phổ biến trong nhiều thập kỷ trước mà còn có các album đầy đủ về thể loại điện tử.

Sự bao gồm này đã làm cho các bìa album phản chiếu chặt chẽ hơn các tác phẩm nghệ thuật indie, tạo ra một trường hợp nhất trong đó điện tử là indie và indie là điện tử. Những tác phẩm thẩm mỹ này đại diện cho thiên niên kỷ mới với những hình ảnh hiện đại, hấp dẫn về mặt hình ảnh, có vẻ như muốn nói cho khán giả trẻ tò mò về thị giác.

Nicolas Jaar – Space Is Only Noise (2011); Flying Lotus – Until the Quiet Comes (2012)

Một bộ sưu tập

Dưới đây là bìa của những album được yêu thích trong ba mươi năm qua. Xem liệu bạn có thể khám phá thể loại, xu hướng, chủ đề và thời gian của âm nhạc mà không cần nghe một bài hát nào hay không.

Và hãy để bản thân được truyền cảm hứng từ một số nghệ sĩ có tư duy tiến bộ này, cả những nghệ sĩ đứng sau synths nhưng cũng có thể là những nghệ sĩ (không được nêu tên) đằng sau những thiết kế album đã định hình nên lịch sử của một thể loại.

Gas – Pop (2000)

 

Một album xung quanh gợi lên thiên nhiên.

KLF – Căn phòng trắng (1991)

KLF là một trong những hoạt động điện tử của Anh sớm hơn, phổ biến hơn. Nhóm này thường tạo ra những bản quốc ca có thể đứng đầu bảng xếp hạng khiêu vũ của Anh.

Album này – là album đầu tiên của nhóm sau khi tách khỏi hip-hop và chuyển sang dance thuần túy – cho thấy các yếu tố điện tử của nó thông qua thiết kế album. Những yếu tố này bao gồm màu xanh băng giá cũng như giới thiệu những người nói như những “nghệ sĩ” của album.

DJ Shadow – Giới thiệu (1996)

 

DJ Shadow (huyền thoại của âm nhạc điện tử hơn 20 năm) đưa vào nội tâm về văn hóa DJ, nơi việc mua đĩa hát là một phần của nghệ thuật trên bìa album này.

Nó đặc biệt thể hiện ý định của album này, mà Shadow đã sáng tác hoàn toàn thông qua các mẫu phút từ nhựa vinyl bị lãng quên, mà anh ta có lẽ đã có được theo cách giống như chủ thể của bức ảnh này.

Trax Records – Jack 2 Jack (tổng hợp, phát hành 1997)

 

“Jacking” là một chủ đề phổ biến trong nhạc house ở New York và Chicago thời kỳ đầu. Mặc dù ý nghĩa của nó đang được tranh luận sôi nổi (nhảy vào nguồn năng lượng? Bộ sưu tập các bản quốc ca Jacking đầu tiên này làm nổi bật xu hướng với hình ảnh rõ nét của đường chân trời Chicago.

Röyksopp – Melody AM (2001)

 

‘Melody A.M’ của Röyksopp, một album điện tử nghe tại nhà, như được minh họa qua sự gợi lên không gian của bìa album này.

Boards of Canada – Âm nhạc có quyền đối với trẻ em (1998)

 

Trang bìa này gợi nhớ đến kỷ nguyên cách mạng của những năm 60 và 70 (hãy nhìn xem những chiếc quần đó lớn như thế nào!). Album có ảnh hưởng này nhắc nhở chúng ta về mối liên hệ giữa cuộc cách mạng công nghệ của những năm 90 và 00 và cuộc cách mạng nhạc rock của những năm 60 và 70.

Booka Shade – Những chuyển động (2006)

Các ngôi sao người Đức Booka Shade bày tỏ lòng kính trọng đối với thiết bị của họ và những người hâm mộ khiêu vũ của họ trên trang bìa này.

Burial – Untrue (2007)

 

Album nổi tiếng của Burial sử dụng màu sắc khắc nghiệt và chủ thể ma quái để gợi lên mặt tối của điện tử, loại lồng tiếng ga-ra mà anh ấy đã giúp đi tiên phong.

House Hallucinates: Pump Up London Volume One (tuyển tập, phát hành năm 1988)

Một bộ sưu tập các bài hát nhà axit từ cảnh rave đầu những năm 90 của Vương quốc Anh lấy ý tưởng về axit theo đúng nghĩa đen.

Plastikman – Closer (2003)

Plastikman, một ngôi sao đến từ Detroit, đã kết hợp cả chủ nghĩa tối giản và cảm giác khoa học viễn tưởng vào thiết kế album kỹ thuật tối thiểu của mình.

Tầng hầm Jaxx – Rooty (2001)

Tầng hầm Jaxx đã mất nó trong không gian.

Trentemøller – Khu nghỉ dưỡng cuối cùng (2006)

Kỹ thuật của Đan Mạch cho rừng.

Andy Stott – Những vấn đề xa xỉ (2012)

 

Một album nằm trong danh sách nhiều album hàng đầu của năm 2012, từ cả các nguồn điện tử thuần túy, chẳng hạn như Resident Advisor, cũng như Pitchfork khét tiếng, cũng như những nhà tạo hương vị âm nhạc khác, toàn diện hơn.

Bạn có thể thấy rằng thiết kế album dựa trên những gì có thể được gọi là “thẩm mỹ Tumblr”, có hình ảnh đen trắng và những quý cô xinh đẹp. Tính thẩm mỹ vượt qua các thể loại này có thể được gọi là phong cách của những năm 2010; thiết kế âm nhạc của thế hệ chúng ta.

Jimmy Egar – Majenta (2012)

 

Jimmy Edgar mang đến vòng tròn hoàn chỉnh, khiến album năm 2012 của anh trở lại hoàn toàn với các chủ đề khoa học viễn tưởng về băng đảng Detroit và Cybotron. Thật vậy, 2012 ?! Jimmy Edgar là một nhà thiết kế đồ họa, nghệ sĩ và nhiếp ảnh gia theo đúng nghĩa của anh ấy – không có khả năng điều này hoàn toàn là ngẫu nhiên. Có vẻ như Edgar đang đưa ra nhận xét về quỹ đạo của âm nhạc điện tử, và quỹ đạo của nhiều nền văn hóa và âm nhạc hiện tại nói chung.

Luôn có những khao khát về quá khứ và âm nhạc điện tử không phải là ngoại lệ. Khi hồi tưởng về quá khứ trong tương lai công nghệ ngày nay, chúng ta phải tự hỏi bản thân – cũng như người hâm mộ và các nhà thiết kế – tương lai của thiết kế album sẽ như thế nào. Liệu chúng ta có tiếp tục hướng về quá khứ nhuốm màu tương lai để tìm cảm hứng? Chúng ta sẽ tạo ra tầm nhìn của riêng mình về tương lai chứ? Là 99designers, điều đó hoàn toàn phụ thuộc vào chúng tôi!

Đọc thêm:

Bạn có nghĩ rằng nghệ thuật album nhạc điện tử vẫn còn quan trọng trong kỷ nguyên âm nhạc kỹ thuật số này? Một số nhà thiết kế nghệ thuật album nhạc điện tử yêu thích của bạn là gì? Một số loại nhạc yêu thích của bạn là gì? Trả lời trong phần bình luận!