Xây dựng thương hiệu ban nhạc: logo mang tính biểu tượng giúp hình thành bản sắc thị giác của các nhạc sĩ như thế nào

Một thiết kế logo tuyệt vời có thể không phải là điều đầu tiên bạn nghĩ đến khi bạn nghĩ về các nhạc sĩ, nhưng nó cũng không phải là điều cuối cùng. Một số ban nhạc mang tính biểu tượng nhất qua các thời đại đều có điểm chung — một logo dễ nhận biết và khó quên đã trở thành đồng nghĩa với âm nhạc và hình ảnh của họ. Trong bài viết này, chúng tôi sẽ đề cập đến lịch sử của các biểu trưng âm nhạc và lý do tại sao một dấu ấn mạnh lại quan trọng đối với các nhạc sĩ. Chúng tôi cũng xem xét một số hợp tác sáng tạo gần đây giữa các nhà thiết kế từ cộng đồng toàn cầu của chúng tôi và một số nhạc sĩ triển vọng để xem những nghệ sĩ này đã kết hợp với nhau như thế nào để tạo ra các bản trình bày trực quan cho âm nhạc của họ.

Sơ lược về lịch sử biểu trưng âm nhạc
–

Ngày nay, logo ban nhạc không phải lúc nào cũng có sức ảnh hưởng và tầm quan trọng. Sau cùng, điều quan trọng là âm nhạc và cách các nhạc sĩ phát triển với mỗi album mới. Hầu hết các nhạc sĩ chỉ dựa vào tên ban nhạc hoặc danh tính và cá tính của họ để trở nên nổi bật và được người hâm mộ ghi nhớ. Mãi cho đến những năm 70, khi logo của ban nhạc bắt đầu có đà phát triển.

Trong suốt những năm 70, một số biểu tượng ban nhạc dễ nhận biết và đáng nhớ nhất: biểu tượng khác thường và chữ độc đáo của Led Zeppelin; Phông chữ sans serif dày, hình học của AC / DC; và con dấu của tổng thống Hoa Kỳ được sử dụng trên biểu trưng cho The Ramones, để đặt tên cho một số. Tất cả những logo này thể hiện cá tính, phong cách và bản sắc âm nhạc của các ban nhạc. Thậm chí cho đến ngày nay, những ban nhạc này và logo của họ vẫn mang tính biểu tượng như những năm 70 vậy.

Điều thực sự đã đưa logo của ban nhạc lên một tầm cao mới là dây đeo kim loại. Metal không chỉ là âm nhạc, nó là một thẩm mỹ và tuyên bố, một sự từ chối xu hướng chính thống. Đây là cả một kỷ nguyên của các biểu tượng ban nhạc nổi bật và thể hiện bản sắc âm nhạc gắn liền với thể loại thông qua thiết kế. Chúng tôi thấy các phông chữ sắc nét, có góc cạnh, các nét đậm và dày, cũng như hình ảnh tối tăm và thế giới ngầm.

Động lực tiếp tục trong nhiều thập kỷ, với biểu tượng ‘W’ mang tính biểu tượng của Wu-Tang Clan, đầu lâu nổi tiếng của Grateful Dead với biểu tượng tia chớp và Prince, người nổi tiếng đã thay thế nghệ danh của mình bằng một biểu tượng tại một thời điểm trong sự nghiệp của mình.

Không thể phủ nhận rằng cho đến tận ngày nay sau nhiều năm trôi qua, những logo của ban nhạc mang tính biểu tượng này vẫn đáng nhớ đối với hầu hết mọi người. Cho dù bạn có nghe các ban nhạc hay không, nhiều người nhận ra và biết về các ban nhạc chỉ đơn giản qua logo của họ và sẽ có ý tưởng về phong cách âm nhạc và bản sắc của ban nhạc. Không chỉ vậy, nhiều logo trong số này đã vượt ra khỏi phạm vi các ban nhạc và âm thanh của chúng để trở thành một phần của văn hóa đại chúng và thời trang.

Tại sao các biểu trưng dễ nhận biết và đáng nhớ lại quan trọng đối với các nhạc sĩ
–

Biểu trưng thường là thứ đầu tiên mà một doanh nghiệp cần phải sắp xếp khi họ ra mắt. Điều quan trọng là phải sắp xếp một logo trước tiên vì đó là cách để tạo ra một hình ảnh trực quan mạnh mẽ về doanh nghiệp của họ, tạo được tiếng vang với khách hàng và xây dựng mối quan hệ bền chặt, đồng thời trở thành một biểu tượng dễ nhận biết và dễ nhớ có thể được sử dụng trên nhiều tài sản thương hiệu. Một logo nói lên rất nhiều điều đối với một doanh nghiệp. Và đối với các nhạc sĩ cũng vậy.

Phong cách, thẩm mỹ và bản sắc âm nhạc đều xuất hiện trong logo dành cho các nhạc sĩ. Và ngoài việc tạo ra âm nhạc tuyệt vời, các nhạc sĩ cũng cần các tài liệu tiếp thị và quảng cáo. Đó có thể là tác phẩm nghệ thuật, hàng hóa hoặc một trang web. Có một logo mạnh mẽ là một cách tốt để đảm bảo tính nhất quán về phong cách và tính thẩm mỹ trên tất cả các tài liệu tiếp thị và quảng cáo.

Biểu trưng trở thành nền tảng và nơi bắt đầu để tiếp thị bản thân với lượng khán giả lớn hơn và nuôi dưỡng mối liên hệ chặt chẽ với âm nhạc của họ. Thông thường, mọi người có cảm nhận về phong cách âm nhạc hoặc thể loại của nhạc sĩ trước khi họ nghe nhạc.

Điều gì làm cho một biểu tượng ban nhạc mang tính biểu tượng
–

Như với hầu hết các logo, tính đơn giản, nhất quán và linh hoạt là những phần quan trọng để làm cho một logo trở nên đáng nhớ và mang tính biểu tượng. Biểu tượng Rolling Stones đã đứng trước thử thách của thời gian vì tính đơn giản và linh hoạt của nó. Logo có thể được thu nhỏ lớn trên sân khấu, cũng như nhỏ để phù hợp với đĩa hát hoặc thậm chí là dây đeo cổ tay.

Ngoài những điều cơ bản về thiết kế logo tốt, mối quan hệ và sự hiểu biết giữa nhà thiết kế và nhạc sĩ là điều thực sự tạo nên biểu tượng mang tính biểu tượng và đáng nhớ so với phần còn lại.

Rolling Stones được thiết kế bởi một sinh viên thạc sĩ tại Đại học Nghệ thuật Hoàng gia ở London, John Pasche. Mick Jagger muốn một hình ảnh có thể độc lập, một cái gì đó đơn giản, một cái gì đó có thể tự đứng vững. Jagger cho Pasche xem một bức tranh minh họa về vị thần Kali của đạo Hindu, và điều nổi bật ở Pasche là miệng và lưỡi thè ra. Pasche xem nó như một biểu tượng phản đối, thứ mà trẻ em làm, nhưng cũng là thứ thể hiện bản chất và cá tính của chính Rolling Stones.

Pasche và Jagger đã có thể hợp tác làm việc cùng nhau để mang lại những gì truyền cảm hứng và nổi bật cho họ. Cũng giống như các biểu trưng ban nhạc mang tính biểu tượng nhất khác, đó là một biểu trưng thực sự thể hiện và đại diện cho bản sắc âm nhạc của các nhạc sĩ và ban nhạc.

Isol-Aid Homegrown và 99designs by Vista: 5 nghệ sĩ và logo hoàn toàn mới của họ
–

Biết được tầm quan trọng và giá trị của việc có những thiết kế phù hợp, chúng tôi muốn giúp những nhạc sĩ mới nổi nhất tạo ra những thiết kế riêng biệt có thể giúp mang âm nhạc, phong cách nghệ thuật và cá tính của họ lên trung tâm sân khấu. Để làm được điều này, gần đây chúng tôi đã hợp tác với Isol-Aid Festival, một lễ hội âm nhạc trực tuyến và cộng đồng được thành lập vài ngày sau khi đại dịch coronavirus bắt đầu để giúp các nhạc sĩ quảng bá và giới thiệu âm nhạc của họ với những người hâm mộ mới và sùng đạo. Chúng tôi đã cùng nhau khởi động Isol-Aid Homegrown, một chương trình kéo dài 16 tuần cung cấp hỗ trợ tài chính và sáng tạo cho một số nhạc sĩ và ban nhạc triển vọng từ Úc và New Zealand (ANZ).

Hầu hết các nhạc sĩ này đều đang tìm kiếm một thiết kế logo có một dấu ấn đáng nhớ và khác biệt để tiếp thị bản thân và âm nhạc của họ, đồng thời lấy đó làm cơ sở cho nhu cầu thiết kế trong tương lai của họ. Các kết quả từ dự án cho thấy sự hài hòa trong biểu hiện thị giác và thính giác. Thấy được sức mạnh của sự hợp tác sáng tạo giữa các nhà thiết kế và nhạc sĩ đã thực sự truyền cảm hứng!

Dưới đây, chúng ta sẽ thấy cách các nhà thiết kế lấy tín hiệu từ âm nhạc và biến biểu trưng thành cách diễn giải bằng hình ảnh và khám phá ý nghĩa của các nhạc sĩ để hình ảnh thể hiện bản sắc của họ trở nên sống động.

1. Sự quyến rũ của Chim sẻ

Giống như các nhạc sĩ trên khắp thế giới, bộ đôi chị em thiên thần – dân ca Charm of Finches đã chứng kiến ​​tất cả các chuyến lưu diễn quốc tế và trong nước biến mất trước mắt họ khi COVID tổ chức vào năm 2020. Để tiếp tục chia sẻ âm nhạc của họ, Madel và Ivy đã lên mạng xã hội và ngay lập tức bắt đầu phát trực tiếp vào thứ Hai hàng tuần từ nhà của họ.

Đại dịch có thể đã cản trở động lực và các kế hoạch lưu diễn quốc tế của chúng tôi, nhưng nó cũng định hình quỹ đạo của việc chúng tôi tận dụng tối đa các cơ hội trực tuyến của mình.

Bộ đôi từng đoạt giải thưởng đến từ Melbourne đã có thể xây dựng sự hiện diện trực tuyến mạnh mẽ cho phép họ kết nối với những người hâm mộ mới và hiện có trên toàn thế giới và tiếp tục tìm kiếm cơ hội cho chính họ. Do đó, họ cần một bản sắc trực quan có thể dễ dàng nhận ra trong một không gian ngày càng bận rộn, nhưng cũng phải phù hợp với gu thẩm mỹ thanh lịch, cổ điển, thơ mộng của họ.

Cặp đôi đã hợp tác với nhà thiết kế EWMDesigns trên một logo mới để giúp quảng bá cho album mới của họ “Wonderful Oblivion.” Tóm tắt là tạo ra một wordmark bao gồm tất cả các yếu tố mô tả âm nhạc của họ, chẳng hạn như thơ ca, chi tiết nhỏ và cảm xúc thô mộc cũng như những thứ truyền cảm hứng cho họ như thần thoại Hy Lạp, nghệ thuật trang trí / nghệ thuật trang trí, thời trang cổ điển và shakespeare.

EWMDesigns describes her design style as clean, feminine and simple, which is exactly what Mabel and Ivy were looking for. She even said: “It seemed we had quite a bit in common; I knew right away that I wanted to help them come up with a logo. I think we were a great match!”

Music also features as part of her creative process; “I often find it helpful while brainstorming, sketching, and creating preliminary concepts for clients.”

Charm of Finches put their new logo straight to work across social media and posters as they started promoting live performances once again.

2. Mizuki

Before the COVID-19 pandemic, genre-bending musician Mizuki was planning on releasing her work and taking firm steps to establish her career. Like many other artists, projects came to a halt and she used the time to learn and grow.

With the world timidly opening up again, Mizuki’s plans are also back on. With an EP ready to be shared with the world, the artist needed visual components to accompany her music, such as videos, photoshoots and a logo. The Japanese-Australian artist whose name means Beautiful Moon (美月) knew what she wanted from her logo design: “Something cool, simple and colorful. Something that incorporates my Japanese culture with a modern perspective to reflect me and my music.”

To fulfill this vision, Mizuki collaborated with designer Dewa Setyadji. What Mizuki was looking for became a jumping-off point for the designer, who went on to research Japanese posters, street art and also studied the artwork of musicians and bands from earlier eras. Knowing that the logo will accompany the artist’s music on a variety of mediums such as merchandise, streaming platforms and flyers, the designer focused on making it “legible, adaptable, and unique.”

Dewa Setyadji’s specialty is identity design, meaning that the design is driven by brand strategy and distinctiveness. This is why Mizuki’s quest for something “blending of Japanese tradition with modernity” was at the center of the logo and color exploration.

Music also served as an inspiration: “Music is a starting point for creating atmospheres. If I am designing a classic brand, I will listen to classical music or something orchestral. If I am designing a modern and futuristic brand, I will listen to electronic music, or something similar.”

3. Alice Skye

Melbourne-based singer/songwriter Alice Skye was looking towards a very different 2020 than the one that ended up unfolding. Her second album was due to be released, she was set to play at SXSW and had an international tour lined up.

Khi thực trạng hoãn và hủy đã lắng xuống, nhạc sĩ vẫn đi diễn bất cứ khi nào có thể nhưng điều đó không hề dễ dàng. Cô thường viết những bài hát về sức khỏe tinh thần và cảm xúc, cô thấy rõ tác động của những năm qua: “Bên cạnh tác động về tài chính, tác động về mặt tinh thần của việc mong chờ các chương trình không bao giờ xảy ra hoặc bị bỏ lỡ cơ hội giống như một phần khó khăn nhất”.

Cô ấy đã chuyển sự chú ý vào việc viết bài hát của mình và hiện đang làm việc cho album tiếp theo của mình, và việc có một logo đại diện cho cô ấy trong lĩnh vực kỹ thuật số càng được hoan nghênh hơn. Để tạo ra một chiếc, nhà thiết kế Kerem Sesen phải làm việc. Cô ấy hỏi rằng logo đại diện cho cô ấy ở tuổi 26, trẻ trung nhưng cũng vượt thời gian, vui tươi nhưng có góc cạnh.

Kerem Sesen ban đầu bị thu hút bởi dự án vì mối liên hệ của nó với âm nhạc: “Dự án tập trung vào âm nhạc, đó là lý do quá đủ để thực hiện nó”. Bản thân nhà thiết kế này cũng từng là DJ và hiện đang chơi guitar bass. Và anh ấy nói rằng anh ấy đã nghe nhạc trong suốt quá trình sáng tạo của chính mình.

4. Bumpy

Dẫn đầu cho đến những tháng đầu năm 2020, nhạc sĩ soul, jazz và pop Bumpy đang trên đường đến với sự nghiệp chính thức. Nhờ lịch trình tích cực của cô ấy trước khi xảy ra đại dịch, nghệ sĩ đã xoay sở để trụ vững. Ban đầu, việc tìm cách thể hiện tác phẩm của cô ấy và kết nối với khán giả trực tuyến là một thử thách. Trước khi khóa cửa, các buổi biểu diễn trước đó của nghệ sĩ First Nations là những trải nghiệm thân mật cao, các buổi biểu diễn ngồi xuống dành cho khán giả nhỏ hơn và các sàn nhảy bình thường của lễ hội.

Bản phát hành mà biểu diễn / sáng tạo / cộng tác đạt được luôn gắn chặt với sức khỏe tinh thần và biểu hiện của tôi — COVID đã cho phép tôi khám phá âm nhạc trong một bối cảnh khác và tìm ra những cách khác nhau để tôi kết nối âm nhạc và chữa bệnh.

Tuy nhiên, cô nhanh chóng thích nghi với hoàn cảnh mới, bằng cách xây dựng một phòng thu tại nhà và biểu diễn kỹ thuật số. Cô ấy đã nỗ lực hết mình vào công việc của mình và sẽ sớm phát hành các ca khúc mới. Cùng với các đĩa đơn của mình, nữ ca sĩ cũng hy vọng sẽ phát hành một video âm nhạc, hàng hóa và một logo để gắn kết tất cả lại với nhau. Cô đã kết hợp với nhà thiết kế satunusa để tạo ra một logo đại diện hoàn toàn cho cô và âm nhạc của cô.

Bumpy muốn làm nổi bật bản sắc của cô ấy và những chủ đề mà cô ấy khám phá trong âm nhạc của mình. Cô ấy nói rằng “dự án này được tạo ra để mang lại sức mạnh cho những cảm xúc mềm yếu và dễ bị tổn thương.” Bumpy bày tỏ rằng cô ấy muốn có một phông chữ độc đáo và được cá nhân hóa, vui tươi và chịu ảnh hưởng của tâm hồn. Một cái gì đó đại diện thực sự cho âm nhạc liên kết và mạnh mẽ của cô ấy.

Satunusa đã là một nhà thiết kế chuyên nghiệp trong tám năm nhưng cũng là một nghệ sĩ đa tài. Nhà thiết kế cảm thấy có sự kết nối tức thì với tư cách là một người thích viết lời bài hát, tạo nhạc rap và nghe nhạc trong suốt quá trình thiết kế của họ.

Bumpy đề cập đến việc cởi mở với bong bóng hoặc khối chữ và nhìn thấy nhiều chuyển động, một sở thích phong cách hài hòa với phong cách riêng của satunusa: “Tôi đã tham gia nghệ thuật đường phố hơn mười năm và đã kết hợp một chút phong cách graffiti trên phông chữ của thiết kế này.”

5. Yourboymars

Đại dịch toàn cầu hóa ra lại là thời điểm xác định cho sự nghiệp trẻ tuổi của rapper người Úc gốc Phi Yourboymars. Trong vài năm qua, nghệ sĩ đã quản lý để phát trực tiếp bất cứ khi nào khóa cho phép, xây dựng một lượng người theo dõi mạnh mẽ trên TikTok và nhận được sự công nhận của quốc tế.

18 tháng qua với rất nhiều thử thách và may mắn cho sự nghiệp của tôi.

Không có khả năng lưu diễn và đi lại là thách thức chính đối với rapper 20 tuổi vì anh không thể kết nối trực tiếp với nước Úc rộng lớn hơn và thế giới xa hơn. Đây là lý do tại sao điều quan trọng hơn đối với anh ấy là phải có một sự hiện diện mang tính biểu tượng mạnh mẽ dưới dạng một logo.

Youngboymars cho biết anh ấy muốn sử dụng biểu tượng này cho buổi ra mắt hàng hóa sắp tới của mình. Anh ấy muốn một thứ gì đó gợi lên nét thẩm mỹ cổ điển, phong cách thập niên 90. Một cái gì đó “táo bạo và nam tính.”

Âm nhạc và biểu tượng
–

Một nhạc sĩ có rất nhiều điều để làm cho họ đáng nhớ. Âm thanh của họ, lời bài hát của họ, chuyển động của họ, ngoại hình, phong cách của họ… Danh sách dường như dài vô tận. Nhưng sự thay đổi là điều không thể tránh khỏi và sự trưởng thành được hoan nghênh trong sự nghiệp của một nghệ sĩ. Đây là lý do tại sao điều quan trọng không thể phủ nhận là xây dựng thương hiệu và có một logo không chỉ đại diện cho một nghệ sĩ mà còn mang tác phẩm của họ một cách tự tin theo thời gian.

Khi xây dựng thương hiệu cho một ban nhạc, chúng ta sẽ thấy cách các nhà thiết kế lấy tín hiệu từ âm nhạc và biến các biểu trưng thành một cách giải thích trực quan. Một biểu trưng có thể thích ứng, có thể đi qua hàng hóa và tờ rơi và vô số nơi khác là yếu tố quan trọng để tạo nên bản sắc âm nhạc và hình ảnh của nghệ sĩ, trong một thế giới vẫn đang dao động giữa tương tác kỹ thuật số và trực tiếp.